Se puede decir que este grupo tiene algo que lo distingue del resto del rock nórdico: lírica. El jodido Edgar Allan Poe habría hecho un rock de este estilo.
Joakim Nilsson, Rikard Edlund ( ambos anteriormente de Norrsken ) , Axel Sjöberg , y Truls Mörck formaron Graveyard en 2006. Gothenburg, Suecia. Rubios como un cruce de Targaryen con Lannister. Viva Suecia, carallo.
Cuando Norrsken se disolvió en 2000 , el guitarrista Magnus Pelander pasó a formar doom folk metal Witchkraft, y Nilsson y Edlund estaba unido a Albatross , una gruñona banda de blues rock cuya formación también incluyó a Sjöberg en la batería.
Inicialmente consideraron Albatross un proyecto hobby, pero después de cinco años, los miembros comenzaron a tomar su música más en serio y empezaban a estar insatisfechos con la dirección que su sonido había tomado. Cuando Albatross rompió , Nilsson y Edlund decidieron que para su próxima aventura , se dirigirían de vuelta a sus raíces como músicos y compositores . Nilsson explica : "Yo soy un cantante , pero en Albatross sólo tocaba la guitarra . Rikard tocaba la guitarra , pero él es un bajista . También queríamos un sonido rock más sencillo. Y así lo hicieron.
Recrearos en la belleza de esta canción, por favó.
Tras su formación inicial , Graveyard grabó rápidamente una demo con dos pistas,tocó un total de tres conciertos , y comenzó a planear a largo plazo un álbum con el sello sueco Transubstans Records. Mientras tanto , ellos publicaron una demo de parte de su material en MySpace. Estas canciones llamaron la atención de Tony Presedo , fundador del TeePee Records. Su álbum debut homónimo fue grabado por Don Ahlsterberg y lanzado a principios de 2008 . Al finalizar las sesiones de grabación, Truls Mörck fue reemplazado por el guitarrista Jonatan Ramm . El álbum debut recibió buenas críticas en general .
Aquí un ejemplo de cómo tienen los cojonazos de verisonar a Pink floyd, y hacer la canción suya además de honrar a los autores de la misma.
Sonido limpio, con el punto justo de distorsión, batería certera, y voz potente. Son una joyita, señoras.
La película. O mejor dicho el documental. Y si no el documental, la banda sonora del documental, que es una magnífica recopilación de la obra de Bowie.
1973. Un concierto se hizo documental de la mano de D.A. Pennebaker (no confundir con el psicólogo de la escritura terapéutica, que es muy efectiva, por cierto. Mírenme a mi).
Cuenta con David Bowie y su grupo de apoyo The Spiders from Mars actuando en el Hammersmith Odeon.
Bowie había tomado el personaje de la etapa de Ziggy Stardust , una ciencia ficción basada en el teatro, de carácter enigmático, andrógina, y produjo dos álbumes durante este período. La noche del 3 de julio fue el último show en la gira de conciertos de promoción británica de Bowie 1973 con el álbum Aladdin Sane y el concierto de 60 º en una gira por Gran Bretaña , que comenzó el 12 de mayo , a pesar de una gira americana ya se reservó para el otoño. Muy pocos en el séquito de Bowie sabían de su decisión de abandonar el personaje Ziggy y cancelar laactuación durante un tiempo; en la banda sólo a Mick Ronson se lo había dicho unos días antes de la noche final.
Al final de la noche, con acierto justo antes de la canción " Suicide Rock ' n' Roll" , Bowie anunció que no sólo es el último show de la gira, si no que es el último espectáculo que nos volvamos a hacer . La frase fue deliberadamente ambigua, pero la mayoría de la audiencia y muchos periódicos y revistas de Londres llegaron a decir que Bowie se retiraba de la música. De hecho, él había matado a su personaje de Ziggy , pero no su carrera musical .
Le pidieron a Pennebaker que fuese a Londres y filmar sólo un par de canciones, pero cuando vio la primera de las dos noches en Londres, se dio cuenta de que "había un largometraje aquí pidiendo ser hecho". A pesar de que sólo tenía escaso conocimiento de la música de Bowie, aparte de Space Oddity, estaba impresionado por su carisma en el escenario de la estrella y el rango de sus canciones y rápidamente estuvo preparado para rodar todo el segundo concierto, sin saber que incluiría un golpe dramático final.
Jeff Beck participó en tres canciones (dos de ellas forman un medley) a mitad del concierto, pero fue editado fuera del corte final a su propio deseo. La versión ampliada de "The Width of a Circle" se acortó por unos minutos para que la banda sonora en vinilo y CD.
En este vídeo se puede ver a Bowie decir lo de Not only is this the last show of the tour, but it's the last show that we'll ever do.
La tracklist completa, canela fina.
" Naufragio en la autopista" es una canción escrita e interpretada por Bruce Springsteen y la E Street Band. Fue lanzado originalmente como la pista final de su quinto álbum, The River. La versión publicada fue grabada en The Power Station en Nueva York en abril de 1980.
Es una canción melancólica con un final falso (quiere decir que el sonido se va apagando lentamente, "Naufragio en la autopista" cuenta órgano predominante y partes de guitarra acústica . La letra describe a un hombre que es testigo de un atropello y en una autopista solitaria y lluviosa, y estas imágenes después no puede sacárselas de la cabeza y le impiden dormir.
Se inspira directamente en la canción country de Roy Acuff del mismo nombre y tema similar de la década de 1940, que es una versión de la canción grabada 1938 , " I didn't heard nobody pray ", de los hermanos Dixon .
Mientras que la canción de Springsteen tiene elementos típicos del country, la versión de Acuff es más común (sosina) y menos sentimental.
Junto con la pista del título del album de Springsteen, The river, "Independence Day" y " Point Blank " , es una de las canciones del verso-estribillo sobre The river, que era esencialmente una historia corta o boceto de un personaje .
"Wreck in the highway" y unos pocos otras canciones del album , como la canción principal y "Stolen Car" , marcan un nuevo rumbo en la composición de canciones de Bruce Springsteen : estas baladas conducidas de un sentido de desesperanza anticipando su siguiente álbum, Nebraska, así como un giro hacia pesimismo en su visión del mundo en general artística y personal .
A sí mismo Springsteen ha señalado que " Wreck in the highway" es una de las canciones que refleja un cambio en su estilo de composición , que une The river a Nebraska .
No ha sido particularmente común en concierto, con cerca de 100 actuaciones en los conciertos de Bruce Springsteen desde 2008 . Casi todas esas actuaciones se produjeron durante el River Tour desde 1980 hasta 1981 . La canción fue revivida en ocasiones para las actuaciones de piano eléctrico en los 2005 en solitario Devils & Dust tour.
Aún así, ahí va un directo de la misma.
Quiero aclarar que no voy a hablar de este músico por lo tremendamente guapo que es. Pero, joder, es la perfección masculina hecha hombre.
No, el motivo por el que es digno de ser conocido es por su particular voz, su estilo entre funky y soul, en ocasiones con más influencias (blues, folk).
Paolo Nutini, a pesar de su nombre, nació en Paisley, Escocia.
El álbum debut, These streets, fue lanzado por Atlantic Records en 2006 e incluyó los singles "Last Request", "Jenny No Be Hasty", "Rewind" y "New Shoes".
En mayo de 2009 Nutini lanzó su segundo álbum, Sunny Side Up, que debutó en el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y ha producido cuatro sencillos; "Candy", "Coming Up Easy", "Pencil Full of Lead" y "10/10"
Este último vídeo es entre gracioso y creepy. Lo digo por el señor vestido de conejo que parece ser el colega de Paolo.
El padre de Nutini es de ascendencia italiana , de Barga, Toscana, y su madre es escocesa.
Paolo Nutini esperaba seguir a su padre en el negocio de la freiduría (supongo que unos fish and chips). Él se animó a cantar primero por su abuelo amante de la música , Jackie, y un maestro en su escuela , St Andrews Academy, que reconoció su talento. Dejó la escuela para trabajar como roadie y para vender camisetas para Speedway. Pasó tres años aprendiendo el negocio de la música y actuaciones en directo . Más tarde trabajó como peón en el estudio de Glasgow Park Lane Studio.
Su gran oportunidad llegó cuando asistió a un concierto organizado por 102.5 Clyde 1 para el regreso de David Sneddon a su ciudad natal de Paisley a principios de 2003 . Sneddon se retrasó , y como ganador de un concurso de pop improvisada , le dieron la oportunidad de realizar un par de canciones en el escenario durante la espera. La reacción favorable de la multitud impresionó a otro miembro de la audiencia , Brendan Luna, quien se ofreció a ser su manager.
Sólo con 17 años, Nutini se trasladó a Londres y actuó en The Bedford pub en Balham . Le siguieron otras apariciones en radio y en vivo, incluyendo dos acústicos en Radio London , The Hard Rock Cafe , y como telonero de los Rolling Stones, Amy Winehouse y KT Tunstall. A Nutini se le conoció por cantar con los ojos cerrados durante toda su actuación .
" Last Request " aparece al final del episodio de Scrubs " My Words of Wisdom " de la temporada 6 , el primer episodio de Gavin & Stacey y el One Tree Hill Temporada 4 episodio " The Birth and Death of the Day ". "Million faces" se podían escuchar al final del episodio de Anatomía de Grey "Testing 1-2-3 " de la temporada 3.
" Rewind " sonó en el final de CSI: Miami Temporada 5 episodio " Broken Home ".
" Jenny , No Be Hasty " también apareció en otro miembro de la franquicia CSI cuando jugó en CSI : NY de la Temporada 3 final, " Snow Day " .
En 2008 , la música de Nutini apareció en una adaptación de la película de mayor venta Ecstasy novela de Irvine Welsh : Three tales of Chemical Romance .
En el album de The View Which Bitch?,él colaboró en la canción "Covers."
Su segundo album, Sunny side up, recibió críticas variadas.
En Allmusic se dijo que "Nutini ha tomado enormes trozos de pop y pasados populares latinos (y de Escocia) y les remodelado a su imagen," de pasar a describirlo como "sabio más allá de estos años de compositor ".
Andy Gill de The Independent comentó el progreso de Nutini desde su debut, diciendo que el álbum "muestra al cantante dando pasos gigantes en varias direcciones ".
Neil McCormick de The Daily Telegraph también fue positiva, afirmando que" su segundo álbum alegre combina orgánicamente soul, country, el folk y el desparpajo de la energía, córnea de oscilación ragtime." La verdad es que salió un disco bastante chachi.
Acaba de publicar un nuevo album, Caustic love.
Esta canción te deja hechizado. Les he descubierto una caja de Pandora musical. De nada.
Después de comprobar las tropecientasmil versiones de Mister Sandman que había sueltas por ahí, y nacidas del afán de homenajear a The chordettes, pero siempre dando un toque personal; me pregunté cuántas versiones de Imagine habría parido la creación musical de la escuela de John Lennon.
Bien, pues no hay tantas como de Mister Sandman, pero todas las que hay son cruiosas e inquietantes en alguna ocasión. Veamos.
1. Khaled y Noa. Cantada en árabe y hebreo. La calidad musical es impecable y las voces también. Debo recalcar lo que me suena la voz de Khaled a flamenco rajao aunque cante en árabe.
2. Jeff Berlin. Bajista de funk, de la escuela de Jaco Pastorius, hizo una versión instrumental y suave en su album Taking notes.
3. Joan Baez. La grabó en numerosas ocasiones, esta fue una de ellas.
4. Dana. Violenchelista. Os lo digo tó. Incluido en su album Everything is beautiful.
5. Diana Ross. Dulce voz, piano y violines.
6. Tommy Emmanuel. Guitarrista australiano de folk y country. Versión incluida en su album Determination.
7. Tracie Spencer.
8. Scott Bakula. En la serie Quantum leap
9. Oasis. Usó una sección del piano de "Imagine" para el comienzo del tema "Don't Look Back In Anger"
10. Eva Cassidy
11. A perfect circle. Es mi favorita. La canción más optimista del mundo la hacen sonar oscura. Cabroncetes.
12. Allison Crowe. Cantante indie canadiense
13. Dolly Parton y Elton John
14. Gilberto Gil, en Electroacustico
15. Cachicamo con caspa. Grupo venezolano de nombre inquietante.
16. Avril Lavigne. Tenía que hacerlo para creerse rockera.
17. Jack Johnson. Esta es muy bonica.
18. Blues traveler, en el album Working class hero
19. Declan Galbraith. Sí, es un niño y tiene una versión cojonuda.
20. Anthony and the Johnsons. A su estilo, ya saben.
21. Jess and Joy. Lo que me llama la atención es que el album se llama ¿Quién se queda con el perro?
22. Train. Esta es, digamos, al estilo californiano respetando la esencia de la canción.
23. Queen. Cantada por Brian May. En directo en el Hyde Park, con Paul Dodgers, como homenaje a las víctimas de los atentados del 7 de julio de 2005 en Londres.
En 1980 la interpretaron con Freddie Mercury
24. David Bowie. Magnífico.
25. Stevie Wonder. De nuevo, canela en rama.
26. Neil Young. Yo me estoy poniendo hasta cachonda.
27. Madonna. A su aire también.
28. Yoko Ono. Vamos, ella la primera.
29. Peter Gabriel. Un tanto siniestra esta versión.
30. Guns and Roses. Ver a Axl y a Slash en el escenario siempre es un acontecimiento.
31. Lady Gaga. No se le fuese a asar el turno.
32. Randy Crawford. Esta es acojonante.
33. Patti Labelle
Hasta aquí la sesión de clásicos contemporáneos de hoy. Espero haber provocado que no volváis a escuchar la canción en la próxima década.
¿Qué me llevó a conocer The Wallflowers? Jakob Dylan. ¿Y quién es Jakob Dylan? El hijo de sir Bob (Dylan).
Que digo yo, si Bob Dylan ya era guapo, el hijo te deja bizca.
Volviendo a la cuestión, The Wallflowers se formó en California, 1989, y en un principio se llamó The Apples. La banda ha pasado por numerosos cambios de miembros, pero está claro que gira entorno a Dylan.
Han lanzado seis álbumes de estudio, un álbum recopilatorio y han tenido varias canciones en la televisión y bandas sonoras de películas. Han ganado dos premios Grammy por Mejor Interpretación Rock por un Dúo o Grupo con Vocal y Mejor Canción Rock por su canción "One Headlight" en 1998. No les ha ido nada mal.
Jakob empezó el grupo con Tobi Miller, tocando en los clubes de Los Angeles (qué peliculero me suena eso, al estilo de Scott Pilgrim contra el mundo, pero con un tono indie).
La composición inicial fue Jakob Dylan (voz y guitarra), Barrie Maguire (bajo y voz), Peter "Pedro" Yanowitz (batería y percusión) y Rami Jaffee (teclados y voz). Peter Yanowitz dejó la banda poco después del lanzamiento del álbum para unirse a la banda de Natalie Merchant. En mayo de 1993, un viejo amigo y compañero de escuela de Dylan, Greg Richling se unió al grupo, en sustitución de Maguire en el bajo. Aunque Richling no estaba en el primer registro, tocó en la primera gira, haciendo de él un miembro de la formación original.
Su álbum debut homónimo fue lanzado en 1992 en el sello Virgin Records. Se vendieron 40.000 copias en un principio, y ha vendido 1.000.000 hasta la fecha.
La banda volvió a la escena en 1996 con Bringing Down the Horse , que incluía éxitos como " 6th Avenue Heartache" (con Adam Duritz de Counting Crows ) , "One Headlight " , " The difference " y " Three Marlenas . " La banda cambió de la Virgen de Interscope . Para este álbum , Dylan estuvo acompañado por Rami Jaffee y Greg Richling de la formación original . Michael Ward ( guitarra), Mario Calire ( batería y percusión) fueron llamados para formar la nueva banda. Mike Campbell ( Tom Petty y los Heartbreakers ) tocó la guitarra slide en " 6th Avenue Heartache" .
Bruce Springsteen se unió a los Wallflowers para una actuación en vivo de su canción "One Headlight " en los MTV Video Music Awards 1997 . "One Headlight " fue el video N º 1 del año de 1997 en VH1 , y N º 5 en la MTV. También grabaron un cover de "Heroes" de David Bowie para la película Godzilla americano en 1998.
Después de casi cuatro años, los Wallflowers completaron trabajar en su próximo álbum, (Violación), publicado 10 de octubre 2000; el primer sencillo fue "Sleepwalker", el video de la que se burló de estado "estrella de rock" de Dylan tras el éxito de Bringing Down the Horse. La banda también tocó Saturday Night Live, con las canciones "Sleepwalker" y "Hand Me Down".
Los huéspedes en (Breach) incluyen Elvis Costello, quien prestó su voz en "Murder 101".
La banda apoyó este álbum a través de giras con Tom Petty y John Mellencamp, así como una extensa gira como cabeza de cartel. El guitarrista Michael Ward dejó la banda después de la gira, citando diferencias creativas.
En el album Red letter days, Dylan toca la mayoría de las partes de guitarra de principal. Durante su gira como teloneros de John Mellencamp, la banda comenzó a colaborar con Moe Z MD, el tecladista John Mellencamp en ese momento. Moe Z finalmente se unió a ellos en la gira en apoyo de Red Letter Days. El álbum tenía un sonido mucho más agresivo que cualquiera de sus versiones anteriores, especialmente la canción "Everybody Out of the Water", que se llevan a cabo en The Late Late Show con Craig Kilborn. El primer disparo video musical único y sólo era para "When you're on the top." El single fue un éxito en las radios AAA, pero recibió poca atención de corriente. Individuales posteriores del álbum incluyen "Closer to You", y "How Good It Can Get", que recibió airplay de radio a través de múltiples formatos. Algunas versiones del álbum contó con una cubierta en el estudio de ""(What's So Funny About) Peace Love and Understanding."
Jakob Dylan realizó la canción de John Lennon "Gimme Some Truth", con Dhani Harrison para el Instant Karma: La campaña de Amnistía Internacional para salvar Darfur CD.
El 31 de agosto de 2007, The Wallflowers anunciaron que estarían de gira por primera vez en dos años. La banda tocó en conciertos en clubes en el noreste y el medio oeste de Estados Unidos en octubre y noviembre de 2007. En una entrada de finales de 2007 en el sitio web de la banda se reveló que el teclista Rami Jaffee dejó la banda. El cantante y compositor Stuart Mathis se unió a la banda como guitarrista principal de esos programas.
Jakob Dylan lanzó su primer álbum en solitario Seeing things, en 2008.
El 16 de junio de 2009, The Wallflowers lanzó un álbum de grandes éxitos, Collected: 1996-2005, que incluía dos temas inéditos. Se embarcaron en una gira nacional en el verano de 2009 en apoyo del álbum. Bill Appleberry y Stuart Mathis acompañaron a la banda en la gira, tocando los teclados y la guitarra, respectivamente.
Y con esto y un bizcocho, corred a por vuestra jarra de calimocho.
Hay muchos motivos por los que quiero hablar de The Dresden dolls, y en concreto,de Amanda Palmar, cantante y pianista del dúo.
The Dresden dolls es un dúo autóctono de Boston, Massachusetts. Los conocí en una página donde había lista de "bizarradas del punk", lista en la que se incluía también la banda The gun club. Dresden dolls se categorizaban como "cabaret punk". Es el apelativo más acertado que se me ocurre, si hay que catalogar de alguna manera su estilo. Fuera de esa etiqueta, es totalmente único.
Unas letras muy Bukowski y muy Henry Miiler, con una perspectiva femenina, pero aún así cruda, grotesca, y sublime.
Su estética de mimos, o muñecos de porcelana vivientes, cantando a la decadencia y la miseria; es el fiel reflejo de su mensaje, de la visión casi literaria y onírica del mundo a la que te llevan.
El estilo dark cabaret, o punk cabaret, se describe con grupos de los 80 como Fascinating Aïda and Kit y The Widow. Tiger Lillies incorporaron temática blasfema, prostitución y bestialidad en sus canciones, cantadas por Martyn Jacques en un estilo amenazante con una voz de falsete. Una colaboración entre Rozz Williams y Gitane Demone - . ambos ex miembros de Christian Death -, titulado Dream Home Heartache después de una canción de Roxy Music.
Véase el parecido estético y temático con The Dresden dolls.
Volviendo al dúo de Boston, todo empezó cuando el batería Brian Viglione presenció un solo de piano de Amanda Palmer realizar en una fiesta de Halloween en 2000. Sus actuaciones en vivo pronto ganaron a ser objeto de culto, en las que solían animar al público a participar en sus conciertos, caminando sobre zancos entre los fans, estatuas vivientes, tragafuegos, y otro tipo de performance que integraban el espectáculo. The Dirty business brigrade coordinaba las actuaciones.
El primer nombre de la banda fue Out of arms. En algún momento, el nombre se convirtió en The Dresden Dolls. El nombre, según Palmer, fue "inspirada en una combinación de cosas", incluyendo el bombardeo de Dresde, Alemania, y las muñecas de porcelana que fueron un sello distintivo de la pre-guerra de la industria de Dresde; una de las primeras canciones del mismo nombre por la caída; y una referencia a la novela Flores VC Andrews en el ático, donde los protagonistas de cabello rubio y ojos azules clásicamente se denominan "The Dresden Dolls". El nombre también evoca la Alemania de Weimar y su cultura de cabaret. Además, a Palmer "le gusta el paralelo entre Dresde (destrucción) y muñecas (la inocencia, la delicadeza), ya que está muy en consonancia con la dinámica de la música, que a veces se pasa de un susurro infantil a un alma en pena gritar a los pocos segundos. "
Otra reafirmación de su concepto y su estética. Si algo tiene este grupo es coherencia artística e identidad.
Atención a la soberbia genialidad de esta canción, y a la tremenda historia que cuenta.
Amanda MacKinnon Gaiman Palmer, tambiénconocida como Amanda Fucking Palmer,(esta mujer es genial) ha tenido además una exitosa carrera como solista, porque es un icono por sí misma, joder.
También es una mitad del dúo Evelyn Evelyn. Versionaca de Love will tear us apart, de Joy division. Me corro del gustazo.
Amanda fue a la Lexington High School, donde participó en el departamento de teatro y asistió a la Universidad de Wesleyan, (como Ted, Marshall y Lily, de Cómo conocí a vuestra madre. Debo hacer un fotomontaje con eso) donde fue miembro de la Eclectic society .
luego formó el Shadowbox colectiva, dedicada al teatro de calle y poner en espectáculos teatrales (como la obra de teatro 2002 , el Hotel Blanc, [ 12 ] que dirigió ) .
Con un interés en las artes escénicas, tanto en la música y en el teatro , Palmer pasó tiempo tocando en las calles como una estatua viviente llamada " The Eight Foot Bride" en Harvard Square, Cambridge ; Edimburgo , Escocia; Australia ( donde conoció a Jason Webley ); así como muchos otros lugares. Ella se refiere a esta línea de trabajo en el álbum homónimo de The Dresden Dolls ' , con la canción "The Perfect Fit ":"I can paint my face
And stand very, very still
It's not very practical
But it still pays the bills"
as well as on the A is for Accident track "Glass Slipper":
"I give out flowers
To curious strangers
who throw dollars at my feet."
Palmer concibió el musical / producción The Onion cellar, basada en un cuento de El tambor de hojalata de Günter Grass. Desde 09 de diciembre 2006 hasta el 13 de enero de 2007, The Dresden Dolls realizó la pieza en conjunto con el American Repertory Theater en el Zero Flecha Teatro en Cambridge, Massachusetts. Aunque Palmer estaba abiertamente molesta con la dirección de la feria, las revisiones críticas fueron muy positivas.
Banda de rock norteamericana, activa en los dorados años hippiolíticos del amor y el desenfreno (1967 a 1973).
Liderados por Charlie Allen, la banda se formó en Los Ángeles (templo de grandísimos grupos tales como Audioslave, Bad religion, Beach boys, The Byrds, The Doors, Poison, Rage against the machine, Red Hot Chili Peppers, y un largo etc.)
La formación original estaba compuesta por el guitarrista Tom Marshall, el bajista Brent Block, el guitarrista Glenn Schwartz (antes de The James Gang ) y el batería Charlie Allen,
que había tocado previamente en la banda Bluesberry Jam .
Cuando se hizo evidente que Allen era el mejor cantante en el nuevo grupo, se convirtió en el líder, y Frank de Cook , anteriormente de Canned Heat , entró en la banda como batería. Originalmente conocido como el Pacific Gas and Electric Blues Band , acortaron su nombre cuando firmaron con Kent Registers , lanzando el álbum Get It On a principios de 1968. El disco no fue un éxito, pero a raíz de la actuación de la banda en el Festival Pop Miami en mayo 1968, cuando firmaron con Columbia Records.
Aquí vemos a Charlie Allen como cantante (apuesten a quién les recuerda esta voz). La canción suena un poco soul, un poco con el típico trompeteo sesentero, a continuación el punto rockero yeyé, después un punteo que evoca levemente a los Dire straits. Pura esencia americana, gente. Sabor barbacoa y guateque.
Su primer álbum para Columbia, Pacific Gas and Electric , se publicó en 1969, pero alcanzó mayor éxito con su siguiente álbum, Are You Ready , en 1970.
Después de grabar el disco, Cook fue herido en un accidente de coche y fue reemplazado en la batería por Ron Woods, Cook se quedó como manager.
Marshall y Schwartz fueron y fueron reemplazados por Frank Petricca (bajo) y Ken Utterback (guitarra), con Brent Bloquear moviéndose al ritmo de la guitarra antes de salir más tarde en 1970. Inusualmente para el momento, la banda contenía músicos tanto en blanco y negro, lo que condujo a los disturbios y disparos en una ocasión, cuando la banda, quien recorrió extensamente, realizado en Raleigh, Carolina del Norte .
En 1971, la banda cambió su nombre por el de PG & E , tras las presiones de la empresa de servicios públicos del mismo nombre (cabrones tocapelotas, dicho sea.)
La banda también se expandió, a Allen, Woods, Petricca y Utterback se unieron Jerry Aiello (teclados), Stanley Abernathy (trompeta), Alfred Galagos y Virgil Gonsalves (saxofones), y Joe Lala (percusión). Grabaron el álbum de PG & E , y también apareció en la música y siempre para el Otto Preminger película Dime que me amas, Junie Luna protagonizada por Liza Minnelli .
(Grandiosa portada esta de Get it on... blues)
La banda se separó después. Un último álbum con el nombre, Pacific Gas & Electric Starring Charlie Allen , fue grabado por Allen con músicos de estudio y lanzado en 1973.
Para una vez que el grupo también incluyó Rick Durett ex integrante de la banda The Coven en los teclados.
Tom Marshall tarde sufrió el deterioro de la salud y las circunstancias personales, siendo sin techo desde la década de 1980. Frank Petricca se convirtió en un corredor de productos básicos. Charlie Allen murió en 1990, 48 años de edad.
Estoy como para hacer un especial de ¿qué fue de aquellos músicos?. Seguiremos informando. Hoy me he enterado de que Beck tuvo una lesión en las vértebras y no se sabía si podría volver a tocar. Tengo la imperiosa necesidad de informarme sobre qué ha pasado con esos músicos que llevan relativamente mucho tiempo en silencio. ¿Dónde están los de Tool? ¿eh? Que alguien me lo diga.
Hoy, celebrando las 500 visitas en el blog (gracias, gentecilla), voy a hacer un monográfico de lo sumamente perraca que me pone Robert Plant.
Y para que parezca más serio y sutil, voy a hacer un repaso de su vida. Pero primero una foto de su soberbio cuerpazo setentero.
Qué pose, qué pechote, qué melena aleonada, qué mirada de "nenas, venid a mi", resonando en el tiempo y haciendo que esta foto de 1975 siga mojando bragas generación tras generación.
Mister Robert Plant nació en 1948, en West Bromwich, Sttafordshire, England. Vocalista y letrista del grupo de rock Led Zeppelin, que también ha tenido una exitosa carrera como solista. Con una trayectoria de más de 40 años y poseer un potente rango vocal de ancho (en particular el uso de sus marcas registradas voces agudas), Plant es considerado como uno de los más grandes cantantes de la historia del rock and roll, y ha influido contemporáneos y cantantes posteriores tales como Freddie Mercury, Axl Rose y Chris Cornell.
Considerado por muchos el mejor cantante de todos los tiempos, es capaz de ponerte los pelos de punto, y por supuesto ponerte cachondo con sus alaridos. Por favor, para comprobar esta afirmación, escuchen Whole lotta a love y a ver cómo acaban sus niveles hormonales.
Sus padres fueron Robert, que trabajaba como ingeniero civil, y Annie Caín, una mujer romaní.
Se crió en Halesowen, en Worcestershire, ahora West Midlands. Plant ganó un interés en el canto y en el rock and roll a una edad temprana.
"Cuando era un niño solía esconderme detrás de las cortinas en casa en Navidad y yo solía tratar de ser Elvis. Hubo un cierto ambiente entre las cortinas y las ventanas francesas, hubo un cierto sonido allí por un niño de diez años. Ese fue todo el ambiente que me dieron en los diez años ... ¡creo! Y yo siempre quise ser una cortina, un poco similar"
Al niño le gustaba esconderse detrás de las cortinas a cantar, gran entrenamiento para contonear el culete años después por los mejores escenarios.
Salió el King Edward VI Grammar School [secundaria] para Niños de Stourbridge en su adolescencia y desarrolla una fuerte pasión por el blues, principalmente a través de su admiración por Willie Dixon y Robert Johnson.
"Supongo que yo estaba muy interesado en mi colección de sellos e historia-Romano británico. Yo era un niño de la escuela de gramática y pude oír este tipo de llamadas a través de las ondas."
Abandonó la formación como censor jurado de cuentas después de sólo dos semanas de asistir a la universidad, en un esfuerzo para ganar más CME pasa y se convierte en parte de la escena del blues de las English midlands.
"Me fui de casa a los 16 años", dijo, "y yo empecé mi verdadera educación musical, pasando de grupo en grupo, fomentando mi conocimiento del blues y de otro tipo de música que tenía peso y valía la pena escuchar."
Más fotos adorables.
Primeras influencias de blues incluyen a Johnson, Bukka White, Skip James, Jerry Miller, y Sleepy John Estes. Plant tuvo varios trabajos mientras persigue su carrera musical, uno de los cuales fue para la gran empresa constructora británica Wimpey en Birmingham en 1967, para el asfalto en las carreteras. También trabajó en Woolworths en la ciudad Halesowen por un corto período de tiempo. Grabó tres sencillos oscuros en CBS Records y cantó con una variedad de bandas, incluyendo The Crawling King Snakes, que lo puso en contacto con el batería John Bonham. Los dos se fueron a tocar en la Band of joy, fusión de blues con tendencias psicodélicas más nuevas.
En 1968 , el guitarrista Jimmy Page fue en busca de un vocalista para su nueva banda y se encontró con Plant después de haber sido rechazado por su primera opción , Terry Reid , quien lo refirió a un espectáculo en un centro de formación del profesorado en Birmingham- donde estaba Plant cantando en una banda llamada Hobstweedle. Page explicó :
"Cuando hizo la audición y le oí cantar , inmediatamente pensé que debe haber algo malo en él, la personalidad - o era un sabiondo o que tenía que ser imposible trabajar con él, porque yo no podía entender por qué, después de que me dijo que había estado cantando unos años ya, que no se había convertido en un gran nombre. Así que lo tuve en mi casa por un tiempo , sólo para revisar o menos, y nos llevamos muy bien. No hay problemas"
De acuerdo con Plant:
"Yo estaba estaba en este colegio cuando Peter y Jimmy se presentaron y me preguntaron si me gustaría unirme a The Yardbirds . Sabía The Yardbirds habían hecho un montón de trabajo en los Estados Unidos - que para mí significaba audiencias que se quieren saber lo que voy a tener que ofrecer - por lo que , naturalmente, yo estaba muy interesado."
Plant y Page inmediatamente congeniaron con una pasión musical compartida y empezaron su colaboración por escrito con reelaboraciones de anteriores canciones de blues, aunque Plant no recibiría créditos de composición en el primer álbum de la banda, al parecer porque él todavía estaba bajo contrato con CBS Records. Plant trajo a John Bonham como batería, y se unieron a John Paul Jones , quien había trabajado previamente con Page como músico de estudio.
Inicialmente apodado el " New Yardbirds " en 1968 , la banda pronto llegó a ser conocida como Led Zeppelin. El album debut homónimo de la banda llegó a las listas en 1969 y es ampliamente reconocido como un catalizador para el género heavy metal . Plant ha comentado que no es justo que la gente piense en Zeppelin como heavy metal , ya que casi un tercio de su música era acústica.
En 1975 , Plant y su esposa Maureen (ya divorciados) resultaron gravemente heridos en un accidente de coche en Rodas, Grecia. Esto afectó significativamente su presencia en la producción de séptimo álbum de Led Zeppelin durante unos meses mientras se recuperaba , y obligó a la banda a cancelar los conciertos restantes del año.
En julio de 1977 su hijo Karac murió a los cinco años de una infección de estómago, mientras Plant estaba comprometido en la gira de conciertos de Led Zeppelin de Estados Unidos. Fue una pérdida devastadora para la familia. Plant, que se retiró a su casa en las Midlands y durante meses después puso en duda su futuro. La muerte de Karac le inspiró a escribir la canción "All My Love", en homenaje, ofrecida en LP de estudio definitiva de Led Zeppelin, de 1979, In Though the out door.
Plant no comenzó a escribir letras de canciones con Led Zeppelin, hasta la realización de Led Zeppelin II, en 1969. Según Jimmy Page:
"Lo más importante acerca de Led Zeppelin II es que hasta ese momento yo había contribuido en las letras. Robert no había escrito antes, y costó mucho meterlo en la escritura, era gracioso. Y luego, en el segundo LP, escribió las palabras de agradecimiento. Él dijo: "Me gustaría tener una parte en esto y escribirlo para mi esposa."
Las letras de Plant con Led Zeppelin eran a menudo místicas, filosóficas y espirituales, en alusión a los acontecimientos de la mitología clásica y la nórdica, como "Immigrant Song", que se refiere a Valhalla y las conquistas vikingas. Sin embargo, la canción "No Quarter" es a menudo mal entendida para referirse al dios Thor; la canción en realidad se refiere al Monte Thor (que lleva el nombre del dios). Otro ejemplo es "The Rain Song".
Plant también fue influido por JRR Tolkien, cuya serie de libros inspiró algunas de las primeras canciones de Led Zeppelin. Las más notables son " The Battle of Evermore " , "Misty Mountain Hop " , "Stairway to Heaven" , " No Quarter ", " Ramble On" y "Over the hills and far away" versos que hacen referencia a El Señor de los Anillos y El Hobbit . Por el contrario, Plant utiliza a veces más simples letras de blues en que tratan principalmente con insinuaciones sexuales , como en " The Lemon Song" , " Trampled under foot " , y " Black dog " .
La mitología galesa también constituye la base de la participación de Plant en letras místicas . Él creció cerca de la frontera con Gales y, a menudo hizo viajes de verano a Snowdonia. Plant compró una granja de ovejas de Gales en 1973 , y comenzó a tomar clases de galés, y leyó la mitología de la tierra (como el Libro Negro de Carmarthen , Libro de Taliesin , etc ). El primer hijo de Plant , Karac , fue llamado así por el guerrero galés Carataco .
La canción " Bron- Y- Aur Stomp" es el nombre de la 18th Century Welsh cottage Bron- Yr- Aur , propiedad de un amigo de su padre.
Las canciones " Misty Mountain Hop " , "That's the way" , y los primeros escarceos en lo que se convertiría "Stairway to Heaven" fueron escritos en Gales y líricamente reflejan la visión mística de Plant por la tierra . El crítico Steve Turner sugiere que las experiencias tempranas y continuas de Plant en Gales sirvieron de base para su mayor interés en las mitologías que revisa en sus letras (incluyendo los sistemas de mito de Tolkien y los nórdicos ).
(El temazo y el directazo)
La pasión de la página para diversas experiencias musicales influenciada Planta de explorar África, específicamente Marrakech, donde se encontró con Umm Kulthum .
" Yo estaba intrigado por las escalas, en un principio, y obviamente el trabajo vocal . La forma en que cantaba, la forma en que podía sostener una nota , se podía sentir la tensión , se podría decir que todo el mundo , toda la orquesta , se celebrará una nota hasta que ella quería hacer un cambio".
Esa inspiración musical finalmente culminó en "Kashmir " . Tanto él como Jimmy Page volvió a visitar estas influencias durante su álbum de reunión No Quarter : Jimmy Page y Robert Plant Unledded en 1994. En su carrera en solitario , Plant nuevamente extrae de estas influencias en muchas ocasiones, sobre todo en el álbum de 2002 , Dreamland .
Podría decirse que uno de los logros más significativos de Plant con Led Zeppelin fue su contribución a "Stairway to Heaven" , balada de rock épico en Led Zeppelin IV, que atrajo la influencia del folk , blues, música tradicional celta y rock duro , entre otros géneros. La mayor parte de las letras de la canción fueron escritas de forma espontánea por Plant en 1970 en Headley Grange. Si bien nunca se publicó como single , la canción ha encabezó las listas como la mejor canción de todos los tiempos en varias encuestas de todo el mundo .
Plant también es reconocido por su improvisación lírica en las actuaciones en vivo, a menudo cantando versos nunca antes vista en grabaciones de estudio . Uno de los más famosos de los dispositivos musicales de Led Zeppelin implica imitación vocal de Plant de efectos de guitarra de Jimmy Page . Esto se puede escuchar en las canciones " How Many More Times" , " Dazed and Confused ", " The Lemon Song" , " You Shook Me ", " culpa de nadie , pero Mine" y " Sick Again" .
También es conocido por sus bromas, alegría , buen humor, y poco común en el escenario , a menudo referido como "plantations" . No lo pillo.
Plant tuvo un gran éxito con Led Zeppelin en toda la década de 1970 y se desarrolló una imagen convincente como hombre carismático del rock, similar a la de sus contemporáneos, el cantante Roger Daltrey , Mick Jagger de los Rolling Stones y Jim Morrison de The Doors.
Con su melena de pelo rubio largo y poderoso aspecto, con el torso desnudo , Plant ayudó a crear el "dios del rock and roll " como arquetipo.
En el escenario, Plant fue particularmente activo, a menudo bailando , saltando, chasqueando los dedos , palmas, haciendo gestos enfáticos subrayar una letra, echando hacia atrás la cabeza, o ponerse las manos en las caderas. Ya sabéis, todos esas aspectos hipnóticos para las groupies.
A medida que los años 1970 progresaron él, junto con los demás miembros de Led Zeppelin, se convirtió cada vez más extravagante en el escenario , y llevaba la ropa más elaborada , colorida y con joyas.
" No puedo tomar toda mi personalidad como cantante en aquel entonces muy en serio. No es una gran obra de la belleza y el amor para ser un cantante de rock. Así que me dieron un par de movimientos de Elvis y una o dos de Sonny Boy Williamson II y Howlin 'Wolf y se los tiré juntos. "
Uno de los premios más extraños que recibió fue la escena Rock Magazine "Chest O Rama " . Los lectores de la revista tenían que decidir quién tenía el mejor pecho en el rock y Plant fue el ganador. No me extraña. Cuando contactaron con él al respecto , respondió: "Estoy realmente muy honrado aunque es difícil para mí ser elocuente sobre el tema de mi pecho."
Después de la desintegración de Led Zeppelin en diciembre de 1980 ( después de la muerte de John Bonham ) , brevemente Plant consideró abandonar la música para seguir una carrera como docente en el centro educativo Rudolph Steiner ; yendo tan lejos como para ser aceptado para formación de profesores . Él , sin embargo, se embarcó en una exitosa carrera como solista comienza con Pictures at Eleven en 1982 , seguido de 1983 de The principle of moments .
Pistas populares de este período incluyen "Big Log" ( un hit Top 20 en 1983) , " In the Mood " (1983 ) , Little by little" (a partir de 1985 de Shaken 'n' Stirred ) , " Far post " ( originalmente sólo en el lado B de " Burning Down One Side ", pero popularizado por airplay en emisoras de rock ) , "Tall cool one" y " I Believe " (1993) , otra canción escrita y dedicada a su difunto hijo , Karac .
En 1984, la planta forma un grupo de estrellas de corta vida con Jimmy Page y Jeff Beck llamado Los Honeydrippers , que tuvo un éxito número 3 con una nueva versión de la sintonía Phil Phillips , " Sea of Love " y siguió con una versión de " Rockin ' at Midnight " de Roy Brown.
Aunque Plant evitaba cantar canciones de Led Zeppelin durante gran parte de este período ( de vez en cuando improvisaba sus característicos gritos) , sus giras en 1983 ( con el batería Phil Collins) en 1985 tuvieron mucho éxito.
