Canción del grupo brasileño Os mutantes, compuesta en 1968 y mundialmente conocida gracias al gigante publicitario.
Os mutantes son una muestra muy significativa del movimiento renovador Tropicalismo (o Tropicalia), que estaba naciendo en Brasil. Su sonido combina la psicodelia con el rock y otros estilos de música popular y culta. Colaboraron con artistas como Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Nara Leão y Gal Costa. A principios de los 70 abandonaron el movimiento Tropicalia.
Durante su época de máxima producción llegaron a publicar cinco discos, antes de que Rita Lee abandonara el grupo para seguir una carrera de solista en 1972. Con su partida la banda empezó a derivar al rock progresivo con su álbum O A e o Z grabado en 1973, pero que no llega a publicarse hasta 1992 por desacuerdos profundos con la casa de discos. Arnaldo dejó la banda en ese año para seguir también una carrera como solista, en parte por problemas con los demás integrantes de la banda y por experiencias negativas relacionadas con la LSD. Su partida fue seguida por Dinho y un año después por Liminha. Sérgio Dias, el único miembro de la composición original que quedaba, abandonó la banda en 1978, lo que provocó su disolución. En ese período se publicaron otros tres álbumes, además de dos publicados cuando la banda ya se había disuelto: el mencionado O A e o Z y Technicolor, grabado en 1970 y publicado el año 2000.
A modo de curiosidad, muchas bandas underground han reconocido públicamente las influencias que han recibido por parte de la banda. Kurt Cobain pidió públicamente una reunión del trío en 1993. Cobain había sido “iniciado” en esta música por Pat Smear del grupo The Germs, quien resaltó el rol de la influencia de Os Mutantes en la música. Beck por su parte, en su canción Tropicália (de su disco Mutations) rindió tributo a la influencia del grupo. David Byrne, cabeza del grupo Talking Heads, ha presionado y publicitado al grupo por medio de su sello discográfico Luaka Bop. El grupo Of Montreal por medio de su vocalista Kevin Barnes, ha descrito frecuentemente a Os Mutantes como su máxima influencia musical.
The Bees versionó esta canción recientemente, y le quedó algo así
Vamos, la han cambiado mucho realmente, pero está en a banda sonora de la película Kick-Ass 2 "The pateaculos revenge".
Más conocido como "el guitarrista de los Smiths". Ahora sí.
Es uno de estos guitarristas que después de dejar el grupo que lo lanzó a la fama, o de que dicho grupo se disolviera; ha tenido una carrera en solitario de bastante calidad y que, sin embargo ha pasado desapercibida.
Después del rugido inicial de los 80 con la tormenta del punk, la música pop británica había sucumbido a una búsqueda de sintetizador impulsado por las nuevas olas y las nuevas romanticismos . En una época de Vienna's, de Tainted Love y de Too Shy , el sonido puro de seis cuerdas, el pop melódico -sea tan dulce como The Beatles , o tan lascivo como los Stones, o tan psicodélico como T. Rex; se fue convirtiendo en una causa perdida con pocos dispuestos a luchar por ella . Los primeros recuerdos musicales de Marr son los encuentros de su familia extensa , tal vez - como su primer ídolo de la guitarra, Marc Bolan cantaba - se movía fuera de las cepas tradicionales de Black Velvet band.
A principios del verano de 1982, cuando Marr , a sólo 18 años de edad , formó The Smiths después de conocer al poeta Stretford solitario y escurridizo, Morrissey .
Musicalmente, el sonido de The Smiths fue un ruido de guitarra con nostalgia familiar pero igualmente pasmoso en su novedad prístina. Las melodías eran gigante, eufórico e instantánea , pero entrelazados con tal estilo ágil que parecía como si la guitarra estuviera tocando a Marr y no al revés .
En el momento en The Smiths disolvió en 1987, que habían hecho cuatro álbumes clásicos , ninguno incorporando las cartas más baja que el número dos : de 1984 The Smiths, de 1985 Meat Is Murder, 1986 de The queen is dead ( una planta perenne de larga data de las encuestas de los álbumes clásicos, votado como el mejor álbum del milenio por Melody Maker) y 1987 de Strangeways , Here We Come ( personal favorito álbum Smiths de Marr ) .
A través de estos , y 17 singles del grupo , Marr por sí solo revolucionó y renovó el potencial de la guitarra en la música popular. Utilizando sus propias influencias del pasado - una galería diverso de héroes que van desde James Williamson ( Iggy & The Stooges Raw Power ' ) para Bert Jansch de Pentangle (quien más tarde jugaría con el Crimson Moon de 2000 ) , Bolan , George Harrison y Keith Richards - innovaciones de Marr encendió la mecha para un renacimiento a gran escala en los grupos de guitarra británicos que todavía tiene que disminuir. De The Stone Roses a través de Suede , Blur , Radiohead, Oasis, The Libertines y Arctic Monkeys , todos los caminos conducen de nuevo a The Smiths . Todos los caminos conducen de nuevo a Johnny Marr.
La combinación de la arquitectura de los dos mayores grupos de Manchester de emergen respectivamente de los años 70 ( Joy Division / New Order ) y los 80 ( The Smiths ), Distribución Electrónica mezcló el secuenciador con la guitarra , la discoteca con el dormitorio , sábados por la noche con el domingo mañana para definir la banda sonora de la ciudad para los años 90 . Prestigiosa colaboración de Marr con Bernard Sumner comenzó con un cuarteto de singles pop impecables, a veces ayudados por Pet Shop Boy Neil Tennant : Getting Away With It, Get The Message ( sigue siendo el favorito de Marr , de todos los registros que ha hecho ) , Feel Every Beat y decepcionado . Contra un peso agotador compartida de equipaje pasado, Marr y Sumner encontraron un equilibrio musical que superó las expectativas individuales de ambos. Por segundo y tercer álbum del grupo, aumentar la presión (1996) y Twisted Tenderness ( 1999 ), Distribución Electrónica comenzó desafiando las limitaciones de su nombre para convertirse , sin embargo accidental o irónico, otra gran banda de guitarras Manchester.
Tal vez fue el destino que un joven Noel Gallagher llevaba una copia de El La Oscuridad de la noche se encontró con el hermano de Marr, Iain , en Hacienda de Manchester. Como alguien que había sido inspirado a coger una guitarra por ver a The Smiths , Noel pasó un demo de su grupo Oasis, a continuación, en el proceso de ser firmado. Johnny se convirtió debidamente mentor de Noel , ayudando a encontrar Oasis gestión y , como es sabido , los "préstamos " Noel una de sus guitarras Smiths sagrados que , como es ahora parte de Gallagher folclore , estaba poseído por los espíritus del vudú de gran melodía asegurando el destino de su grupo. Años más tarde, Marr regresaría a temblar un poco de acción en 2002 el número uno álbum Heathen Chemistry Oasis.
2009 también vio Johnny tocar la guitarra y la armónica en el álbum de los Pet Shop Boys " Sí" , Girls Aloud del álbum " Out of Control " y el álbum de John Frusciante " The Empyrean ".
En ese año, Johnny filmó un cameo para una película Powder Kevin Sampson basada en su libro del mismo nombre.
Ha tocado con Talking Heads, Pet Shop Boys, Kirsty MacColl, Beck, Oasis, John Frusciante y Hans Zimmer. Y ha sido miembro de The Smiths, The The, Electronic, The Healers, Modest Mouse y The Cribs.
Es una banda de punk blues formada en Nueva York, en 1990 por Jon Spencer (voz, guitarra y su inmenso ego), Judah Bauer (guitarra y voz) y Russell Simins (batería).
Son considerados como unos de los impulsores del blues punk; durante los 90 la JSBX estuvo muy bien considerada por buena parte de la crítica musical, ya que no del público mainstream, debido a que siempre se movieron en círculos underground.
Lo aclaro, lo del ego de Jon Spencer, lo digo por lo que leí hace tiempo de los Black keys:
"Rolling stone: Desde la gira de su disco Brothers, ¿ha notado cómo ha cambiado su público?
Dan Auerbach: Bueno, hemos notado que ahora hay más gente y que cada vez son más jóvenes. Hay muchos chicos de la escuela secundaría y eso es bueno para nosotros. Yo nunca haré lo que Jon Spencer me hizo a mí cuando tenía 16 años. Le dejamos una maqueta nuestra en el escenario a sus pies. Justo al lado de su pedalera. Le dio una patada hasta el centro del escenario, me miró a los ojos y pisoteó, rompiéndola en pedazos.
- ¿Habla en serio? - Sí. Todavía puedo ver sus mocasines blancos rompiendo nuestra mierda de maqueta.
- ¿Alguna vez se has vuelto a encontrar con él? - Sí fuimos teloneros de él una vez. Pero no le dije nada.
- Probablemente ahora estaría teloneándolos a ustedes. - Sí, y nos gustaría escuchar sus maquetas, tal vez."
Pues eso.
Al margen de la personalidad de los músicos, hay que reconocerles el mérito musical.
Simplemente, al escucharlos te invade una oleada de rockabilly con muchos decibelios, que te provoca ganas de bailar estés donde estés. Mi album predilecto es Plastic fang
Sin embargo, comercialmente, su mayor éxito fue el album ACME.
Acme fue el trabajo de estudio en el que cristalizaron los experimentos realizados anteriormente en singles y EP. El sonido básico (dos guitarras y batería) seguía siendo el mismo, pero en esta ocasión se escuchan elementos propios de la música electrónica y el rap.Otra novedad es que JSBX utilizó varios productores: Calvin Johnson, Steve Albini, Dan the Automator, Suzanne Dyer, Jim Dickinson y Alec Empire (de Atari Teenage Riot).
Gary Clark, Jr. , guitarrista al que conocí por su actuación en el Crossroads fetival de 2010, es texano y también actor. Descrito como el futuro del blues de Texas, Clark ha compartido escenario con varias leyendas del rock and roll. Está influenciado por el blues, el jazz, el soul, así como el hip hop". Su guitarra tiene une elegante distorsión un estilo vocal suave.
Comenzó a tocar la guitarra a los doce años. Nacido y criado en Austin, Clark tocó pequeños conciertos siendo un adolescente, hasta que conoció al productor Clifford Antone , propietario del club de música Austin Antone . Antone fue la plataforma de lanzamiento de la que Stevie Ray y Jimmie Vaughan redefinieron el blues de la época.
Poco después de conocer a Clifford, Clark comenzó a tocar con iconos musicales, incluyendo Jimmie Vaughan. Vaughan y otros en la comunidad de la música de Austin ayudó a Clark a lo largo de su trayectoria musical, lo que facilitó su ascenso en la escena del rock de Texas. La música de Clark demuestra cómo el blues ha dado forma a prácticamente todos los medios de la música en el siglo pasado, incluso al hip hop.
Como actor, Clark protagonizó junto a Danny Glover , Stacy Keach y Charles Dutton en la película Honeydripper (2007).
La canción "Don't Owe You a Thang" suena en la pélicula de Clint Eastwood Troubles with the curve .
"Bright Lights" se puede escuchar en el anuncio de Jack Daniel 2011, así como en el videojuego Max Payne 3.
También se ha utilizado en la banda sonora de Stand Up Guys , en la escena final tiroteo, y fue incluida en la serie Red Suits "en el episodio" High Noon ".
Clark utiliza tre guitarras eléctricas: Epiphone Casino, Gibson ES-330 y Fender Stratocaster, dos acústicas: Epiphone Masterbilt y Gibson Hummingbird.
Rainy Day Women #12 & 35 (en castellano, "Mujeres de días lluviosos nº 12 y 35") es una canción compuesta por Bob Dylan. Fue incluida en el álbum Blonde on Blonde, editado en 1966.
Es notable por su inusual instrumentación, es la única de Blonde on Blonde que incluye una banda de instrumentos de viento, y también por su controvertido estribillo "Everybody must get stoned!" ("Todo el mundo debe estar colocado"). En la biografía de Dylan escrita por Robert Shelton, No Direction Home (sin relación con el documental de Martin Scorsese No Direction Home), se afirma que la canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido a la paranoia por las "canciones sobre drogas". De todas formas, existen otras interpretaciones, como que trate sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres. Otra interpretación posible, considerando la actitud crítica de Dylan hacia la prensa, es que la canción resalta lo absurdo de las críticas sobre referencias a las drogas en la música rock de la época. Aunque el estribillo de Rainy Day Women no es ambiguo, existen otras interpretaciones mucho más prosaicas, y de hecho, no hay ninguna referencia explícita a las drogas en la canción. El verso "They'll stone ya when you're tryin' to keep your seat" ("te apedrearán cuando estés intentando mantener tu sitio") también puede sugerir el Movimiento por los Derechos Civiles.
Esta canción es una de las más populares en los conciertos de Dylan hasta la fecha. Muy a menudo el estribillo everybody must get stoned, es coreado tan alto por la audiencia que no se puede escuchar la voz de Dylan. La canción alcanzó el puesto nº 2 en la lista Billboard de sencillos.
El resultado de multiplicar 12 por 35 es 420, lo que ha llevado a pensar que se trata de una referencia a la marihuana.
El grupo The Black Crowes hizo una versión de la canción para su sencillo de 1992 "Hotel Illness". Dicha versión fue publicada en 1995, en el álbum benéfico "Hempilation - freedom is NORML" para la organización NORML (National Organization for the Reform of Marijuana Laws). La canción fue también versionada por Sammy Hagar en su álbum Livin' It Up, en 2006.
Para mi fue uno de estos grupos que encuentras no-se-sabe-cómo cuando de pronto descubres el rock progresivo y sólo quieres más.
Todo empezó por escuchar a Tool (cómo no engancharse al rock/metal progresivo si es a través de ellos), y y una recomendación llevó a la otra hasta que di con este grupo. Inquietante, onírico, dulce y brutal. Así es su sonido.
Lo primero que hay que saber de ellos para ponernos en contexto es que son polacos, y que sus nombres y apellidos son jodidamente impronunciables. Mariusz Duda, Piotr Grudziński, Piotr Kozieradzki y Michał Łapaj.
Mariusz Duda fue el último miembro en unirse a la banda. Vocalista y bajista, pronto se convirtió en el líder de Riverside. También toca la guitarra y los teclados. Antes de estar en la banda formó parte de Xanadu, formación de rock progresivo, donde tocaba el teclado. Las grabaciones de Xanadu se han convertido en curiosidad buscada por los fans de Riverside.
Piotr “Grudzien” Grudznski ya era un experimentado guitarrista en el momento de fundar Riverside, habiendo formado parte durante 10 años de la banda Unnamed. A pesar de no ser un grupo muy famoso, contaba con cierto respeto entre la comunidad del metal. La búsqueda de nuevos sonidos le llevó a ser cofundador de Riverside.
Michał Lapaj sustituyó al anterior teclista, Jacek Melnicki, cuando éste abandonó la formación. Según el artista, cuando le ofrecieron unirse a Riverside pensó que sería otro grupo más pero rápidamente cambió de opinión al escuchar su primer trabajo.
La idea de Riverside partió de Piotr “Mittloff” Kozieradzki y Piotr Grudzinski. Ambos pensaron en formar un grupo de música progresiva, e incluyeron al vocalista Duda en el proyecto en cuanto escucharon sus improvisaciones. Kozieradski es una figura respetada en el mundo del death metal, contando una gran reputación como batería. Antes de Riverside estuvo en Hate y Domain, ambos grupos de death metal.
Con los nombres de sus discos, ya nos podemos hacer una idea de que toda su discografía es una coherencia obra lírica.
Out of Myself (2004)
Second Life Syndrome (2005)
Rapid Eye Movement (2007) - En referencia a la fase R.E.M. del sueño-.
Anno Domini High Definition (2009)
Shrine Of New Generation Slaves (2013)
Molan. Ahora, a escuchar su música. Si tenéis tiempo (20 minutos de ná) y ganas de entrar en un bucle esquizoide, en este vídeo están las 4 partes de "Reality dream", del album Out of myself.
Y por aquello de "lo dulce y lo brutal", esta es la parte dulce de ellos
Y e aquí la brutal: de si disco Anno domini high definition
Puro psicodelia hippiola, de la últimamente se está rescatando con grupos como Foxygen o The flying eyes
(del que hablaré más adelante). ¿Y por qué repetir ese estilo? ¿Porqué tan mitificado? Era la época de la revolución cultural, de la creencia en una utopía que llenara el mundo de paz, flores y experiencias alucinógenas. Joder, era magnífico, era un sueño dentro de la Historia.
Bien, The Strawberry alarm cock pertenece a esa generación de grupos que empezaron a experiemntar con el rock, que ya no era sólo una música para bailar, sino que era considerado una obra de arte. El virtuosismo era importante, y la experimentación vital se trasladaba a la música. Pensad en el nombre del grupo: El despertador de fresa. Es totalmente onírico. Es totalmente tripi, mongui y LSD.
Los santos antecesores del rock psicodélico fueron The Beatles, The Byrds, y The Yardbirds (diría que también Cream, aunque Clapton acabó tendiendo a las raíces más blueseras del rock experimental).
Un poco más adelante, llevaron el estandarte de la psicodelia grupos como Grateful Dead, Jefferson Airplane, The Jimi Hendrix Experience, The Doors y Pink Floyd.
Gigantes montados a hombros de gigantes, porque estos músicos bebieron directamente de la música clásica y el jazz, y los adaptaron a la nueva "contracultura" que culminó en el 69 con el verano del amor y el festival de Woodstock.
Los 70 ya fueron otra historia. Llegaron los aullidos de Robert Plant, el carisma único de Freddie Mercury, y Ozzy Osbourne, por sí mismo.
La canción por excelencia de The Strawberry alarm clock es Inciense and peppermint. Toma viaje astral hasta las cumbres del Himalaya.
Por cierto, como todo grupo que se precie, ha sido mencionado en Los Simpsons, en concreto en un capítulo en que Homer se hace adicto a la marihuana medicinal y sale una mañana viendo todo psicodélico.
Aquí un vídeo de los varios colocones de Homer.
Aquí otro temazo mescalínico: Día lluvioso almohada de champiñones.
Y un apunte más, en 1971, cuando decidieron separarse, el guitarrista Ed King se unió a (redoble de tambores) Lynyrd Skynyrd.
Ya que estamos hablando de psicodelia, permítanme recordar los estragos que causaron los chutazos de alegría que algunos músicos se pegaban. El mejor ejemplo es Jugband blues, compuesta e interpretada por Syd Barrett, primer cantante de Pink floyd.
¿Los conoces? Puede que no, pero esta canción seguro que sí.
Me encanta la pintuca la colgao de garrafón que tiene el cantante (Courtney Taylor-Taylor) en este vídeo. Un amor.
Los Dandy Warhols, que ya hay que quererlos por los originales que fueron con el nombre del grupo, empezaron en Portland (1995).
Los nombres de sus discos también son la caraba, hagamos un repaso sólo por gusto:
Dandys Rule, OK? (1995)
…The Dandy Warhols Come Down (1997)
Thirteen Tales from Urban Bohemia (2000)
Welcome to the Monkey House (2003)
The Black Album (2004) - No van a ser menos que Metallica, ostia carallo
Come On Feel The Dandy Warhols (2004) - Come on feel the noise, les encantan los juegos de palabras y el humor absurdo
Odditorium or Warlords of Mars (2005)
Earth to the Dandy Warhols (2008)
The Dandy Warhols are Sound (2009)
The Capitol Years 1995-2007 (2010)
No quiero hacer especulaciones sobre la simbología del plátano pelado, pero claramente es más humor gráfico del que abunda en su obra. En cualquier caso, a mi me mola.
Otro motivo para hacerles la ola: Han sido teloneros con The Rolling Stones, The Strokes, Incubus, The Killers y David Bowie. Aunque permítanme dudar si los Strokes son mejores que los Dandy, musicalmente hablando o no. Me planteo esto por que el "telonear" es una cuestión de rango y de quién llena los locales y los estadios.
Personalmente considero que los Dandy son capaces de hacer rock progresivo en una canción de 4 minutos, y eso tiene mérito. Y los Strokes han hecho 3 discos geniales y 2 discos de mierda, y estoy resentida con ellos. Continuemos.
Este canción también es bastante conocida por haber sido la banda sonora de la serie Veronica Mars. Pero a donde quiero llegar es al grandioso momento en que una forofa de Nietzsche, encuentra una canción llamada Nietzsche, y es de los Dandy Warhols. Eso es una bomba de relojería. Cuando interpretas a un autor y extraes su esencia, se convierte en algo totalmente subjetivo. Y si además, esa esencia la haces música, estás jugando con fuegos artificiales. Pues combinan en esta canción el amor por la vida y la furia de Nietzsche, que sólo puedo decirles que podrían retirarse y morir tranquilos después de hacer eso.
Lo único que dice la letra es:
I want a god who stays dead not plays dead I, even, I, can play dead I want a god who stays dead not plays dead I, even I, can play dead I want a god who stays dead not plays dead I, even I, can play dead
Hay muchas más de las que podáis imaginar. En concreto, hay 51.
Mr. Sandman es una canción creada por Pat Ballard y publicada en 1954.
En ese mismo año logró colocarse entre las primeras del Hit Parade, interpretada por el grupo The Chordettes.
Formó parte de la música de fondo empleada en la trilogía Regreso al futuro; también se empleó del mismo modo en las películas Halloween, Mr Nobody (2009) y la multipremiada películaPhiladelphia.
Ballard también reescribió las letras para navidad llamándola así "Mr. Santa", aunque esta versión es raramente escuchada hoy en día.
En primer lugar, y para saber quién es Mr Sandman, mencionado también en canciones como Enter sandman, de Metallica; Sandman never sleeps, de My bloody Valentine, o la saga de comics "Sandman" de Neil Gaiman.
Mr Sandman, o "El arenero", es un personaje de la cultura anglosajona, y sobre todo la celta, que visita cada noche el dormitorio de la gente mientras duerme, para esparcirle arena mágica en los ojos y así, los durmientes tendrán sus sueños (De ahí su nombre Sand - Arena y Man - Hombre) y por eso la legaña adquiere el nombre de arena, arena mágica o arena de sueño.
Este personaje está presente en las mitologías que tienen raíces célticas y sajonas como es la mitología estadounidense, irlandesa, gallega, bretona, canadiense e inglesa. La relación entre la arena y los sueños probablemente viene del hecho de que cuando tenemos sueño notamos una especie de "arena" o leve molestia en los ojos que nos invita a dormir. Así, según la leyenda, esto se debería a que el hombre de arena va echando su cargamento sobre nuestros ojos para inducirnos el sueño. Otra explicación, minoritaria, es que la mayoría de las veces no recordamos lo que hemos soñado como si al despertar se hubiese "lavado" el recuerdo de nuestra mente, y la arena se solía usar para limpiar en los hogares. En la tradición mitológica griega existe un personaje parecido llamado Hypnos, lanzador de los Oniros. En la cultura rumana también existe un personaje de características similares llamado Mos Ene.
Por lo general es el responsable de sueños bellos y plácidos, aunque algunas historias lo presentan como un personaje malvado, pues en algunos relatos aparece como un ser peligroso que causa pánico entre la gente, arrancando los ojos de las personas que encontraba y dándoselos de comer a sus "crías".
Bien, aclarado esto, ahí va la retahíla de versiones de Mr Sandman. Por supuesto, la primera es la de The Chordettes.
Son una de mis jodidas debilidades, lo siento. Sólo puedo hablar bien de ellos, pero es que han conseguido crear una música, a principios del siglo XXI, que suena a una mezcla de Dylan y los Rolling stones.
No está claro si aumentarán su corta discografía, ya que según leí en Rolling stone, los dos miembros mantienen una relación puramente profesional y a Jonathan Rado, el cantante y guitarrista, le gusta un poco eso de gastar putadas.
Rado, además, llegó a “lanzar un disco en solitario sin decirle nada a Sam al respecto”. Elizabeth Fey, guitarrista acompañante del grupo durante sus giras, reconoce además que Rado evitaba que ella “saliera en las fotos del grupo” y asegura, además, que ella y France han formado una nueva banda.
Aunque muchos medios online han especulado sobre la posible ruptura del grupo,su publicista lo ha desmentido y ha añadido que actualmente trabajan en la continuación We are the 21st century ambassadors of peace & magic.
Total, que la historia del grupo va a ser un visto y no visto, pero joder, son (o eran) muy buenos.
Primero, los conocí por esta canción, que si primero te cuentan que suena a pop retro, te quedas un poco igual. Luego empiezas a escucharla y te teletransportas a los años 60, a algún lugar soleado de EEUU donde ir por la calle con una corona de flores en el pelo. A mi se me vienen a la cabeza imágenes de Forrest Gump, en la fase hippie de su amor, Jenny, antes de que llegaran los años 70 y se convirtiera en yonki.
El videoclip y las pintas de los chavales tienen su sustancia, retro-vintage a tope.
Siguiente canción, también cojonuda, en la que veo más claro eso de "no sé si me recuerda más a Bob Dylan o a los Rolling en sus comienzos".
Atención a los sombreritos y al peto campestre. Adorables.
Bien, en las siguientes canciones, además de en la acojonante música, fíjense en la chanante portada del disco. Una especie de tercer ojo con rayos brotando y un triángulo rojo con interpretación al gusto de cada uno. Mola.
Personalmente, y ya para terminar, a esta última canción le encuentro un gustillo a "Ain't no mountain high enough", una de esas canciones que poner en el coche y cantar a grito pelao.
Hice hace unos meses un curso de Historia del rock online ( https://www.coursera.org/course/historyofrock1 ), y el prosefor John Covach, apodado "el coletas", habló de este grupo como parte del movimiento post-punk.
Primero, ¿qué es el post-punk? Es toda aquella corriente musical que acogía gran variedad de tendencias y que surgió después de la oleada punk en Inglaterra y EEUU. A algunos de estos grupos también se les clasifica como "New wave" (nuevo oleada), por aquello de no poder darles una definición estilística tan clara como "rock" o "blues". Ya empezaron las fusiones y de alguna el post-punk se asemeja al concepto tradicional de indie, aunque éste empezara a aplicarse al rock más bien a finales de los 80 y principios de los 90.
Más ejemplos de post-punk: Siouxsie & The Banshees, The Cure, The Damned (Después de su etapa de punk rock),Echo & the Bunnymen, Gang of Four y Joy Division, que a la muerte de su cantante Ian Curtis se rebautizó como New Order. Bandas como The Police, U2, R.E.M., Sonic Youth y The Fall también suelen ser consideradas parte del movimiento, al igual que otras que se formaron a partir de otras de la época: Magazine, que se formó a partir de los Buzzcocks, por ejemplo, o Public Image Ltd. de los Sex Pistols. Una lista de predecesores del género incluyen a Television, cuyo álbum Marquee Moon, aunque lanzado en 1977 (cuando el punk se estaba formando), es considerado post-punk en estilo (sin embargo, muchos consideran a bandas como Television, Talking Heads, y Richard Hell and The Voidoids como bandas punk). Otros grupos, como The Clash y The Jam, siguieron siendo bandas de naturaleza punk pero inspiraron y fueron inspirados por elementos del movimiento post-punk.
Ya nos podemos hacer una idea.
El sonido de Gang of four en concreto tiene influencias del punk rock, funk y reggae dub, (esto se nota en una amalgama de matices mientras escuchas la música, así en abstracto poco puede decir, pero es orientativo) con énfasis en los problemas sociales y políticos de la sociedad. Gang of Four es ampliamente considerada como una de las principales bandas de finales de los años 1970 en inicio de los 80 y del movimiento post-punk. En sus álbumes posteriores (Songs of the Free y Hard) suavizaron algunas de sus cualidades más discordantes, y derivaron hacia la música Dance-Punk y Disco.
Bien, llega la sección Marujeo Anecdótico Por el bien de Cogerle Cariño al Grupo.
Gang of Four llegó a influir en una serie de grupos de rock alternativo de éxito a en los años 80 y 90, aunque parte de sus seguidores fueron por su vertiente artística y/o política. Michael Stipe cantante de R.E.M. cita Gang of Four como una de las principales influencias de su banda; Flea de los Red Hot Chili Peppers ha declarado que Gang of Four fueron la influencia más importante en la música a principios de su banda (Andy Gill llegó a producir los Chili Peppers álbum debut). Kurt Cobain declaró que Nirvana empezó como "una copia de Gang of Four y Scratch Acid". Andy Kellman, en Allmusic, ha llegado a sostener que los "gérmenes de influencia" Gang of Four se puede encontrar en muchos grupos de rap metal "que no están en contacto con sus ancestros lo suficiente como para darse cuenta de ello".
En los últimos años la banda ha disfrutado de un resurgimiento en popularidad, en un principio debido a la aparición de nuevas bandas de revival post-punk, como Clinic, Liars, The Rapture y Radio 4, y el ascenso de Franz Ferdinand, We Are Scientists y Bloc Party.
Cuando te enteras de estas cosas, te preguntas cómo has podido tanto tiempo sin saber de la existencia de esta gente.
En fin, dejo por aquí una canción de su gran album, Enterteiment!, donde se ve muy bien el punto funk, el punto punk y el punro rock. Hasta el punto de que por un momento crees que estás escuchando a The Clash.
Es un disco del poco conocido (hasta el punto de que cuesta con cojones encontrar información sobre ellos, del grupo Brain Storming.
Una vez que consigues encontrar su página web, ves que está deshabilitada. Por fin, en myspace encuentras algo visible y escuchable. Y te deja alucinado.
https://myspace.com/brianstorming
¿Cómo definir su estilo? Hay que pensar que vas a viajar a algún sitio antes de empezar a escucharlos. Su música va a crear imágenes mentales que no son de este mundo, que son pura fantasía, que si habéis visto El imaginario del Doctor Parnassus, debería ser su banda sonora.
El título ya lo dice: The Extraordinaires Voyages of Brian Storming. Es como tomarse un tripi, pero sin paranoias ni vértigos, sino dulces delirios en un parque de atracciones construido mentalmente.
Que la banda cuente su historia, pues no me ha sido posible encontrarla por otro sitio:
Brain Storming es una banda con alma de orquesta, un proyecto audiovisual, un viajero que transita incansable el país de nuestros sueños... el otro lado del espejo.
Brian Storming propone, de la mano de Duncan Toth, transitar ese universo onírico en cada uno de sus formatos: como grupo en vivo, en sus producciones discográficas o incluso en sus videos, que son el resultado del imaginario de Brian Storming. En cada caso, Brian Storming es un producto de la autogestión, siendo los miembros del proyecto quienes dan vida a cada una de sus partes, lo cual lo convierte en una rara avis dentro de la escena musical.
Brian Storming está compuesto por Duncan Toth como cantante y director, Mariano Sagardía como artífice de las visuales y operador de decks, Lucas Herbín en batería, Mauro Quintero en guitarra, Juan Sábato en bajo, Andrés Ravioli en trompeta y David Fernández en trombón. Brian Storming bebe de las aguas de la psicodelia y la inocencia del pop.
Sus canciones remiten, por momentos, a un George Harrison enamorado de los sitares de Shankar y un instante más tarde al soundtrack de una película fantástica. Sin otra razón de ser que disparar las fantasías de su receptor, Brian Storming excede las clasificaciones restrictivas, pudiendo transportarlo del trip hop al musical de varieté en un guiño.
En Octubre de 2005, Brian Storming edita su primer LP, “The extraordinaires voyages of Brian Storming”, conteniendo 10 temas que definirían la amplitud sonora de la banda. Tras el éxito del mismo, Brian Storming se ha presentado en salas como Teatro IFT, Teatro Santa María, Teatro Regina, Teatro España de Rosario, Festival Independiente de Mar de Plata, Creamfields 03 y 04, Festival BUE 06, Niceto Club, Auditorio de Radio Nacional, Estudio Abierto 05, 06 y 07, Código País, Festival Verano 07, Ciclo Compass 07 entre otras destacadas fechas.
Durante el mes de Febrero de 2007, fue seleccionado por la banda británica Coldplay para abrir los tres shows que brindaron en el Teatro Gran Rex. A su vez, en Noviembre del mismo año, la islandesa Bjork fue quien seleccionó a la pequeña orquesta para la apertura de los shows que dio en Buenos Aires.
Tras un período de silencio, durante el cual la banda dedicó su energía a la creación de los temas que compondrán su segundo LP, Brian Storming regresa a los escenarios con nuevo material y un EP que saldrá a la venta en Octubre de 2008, “Brian Storming Avec L..Enchanting Device”.
